San Martín de Frómista

Se trata de una iglesia de planta basilical. Se identifica por un pórtico con tres naves, un crucero y una cabecera formada por tres ábsides.

-Ubicación

San Martín de Frómista se encuentra en la localidad de mismo nombre, en la provincia de Palencia. Es además, uno de los puntos del Camino de Santiago, un fenómeno religioso propiciado por la orden de Cluny que conectó culturalmente la Península con Europa.

-Cronología

Se construyó entre el siglo XI-XII, forma por lo tanto parte del Románico, cuyas características se ven perfectamente reflejadas en San Martín de Frómista, como en las torres de la iglesia y en su decoración en vanos, dinteles y capiteles.

-Identificación de la obra:

San Martín de Frómista está hecha en piedra. Su muro, construido por sillares consta de escasos vanos debido al peso que éste debe soportar. Se emplearon en su construcción vanos de medio punto, como las tres portadas de la iglesia o sus ventanas abocinadas.  Los vanos están adornados por arquivoltas, sostenidas por columnas, de las cuales destaca su capitel historiado, en el que se reflejan temas. El uso de contrafuertes sujeta el peso de las bóvedas de cañón del interior.Cabe destacar además las dos torres cilíndricas románicas que flanquean la portada oeste de la iglesia.

En la fachada de San Martín, destaca el taqueado de la piedra, tallado como sí de un tablero de ajedrez se tratara.

La nave principal está cubierta por una techumbre a dos aguas. Rodeando el tejado se encuentra un nuevo elemento decorativo, el canecillo, unas figuras adosadas a un destacado dintel las cuales se asemejan al modillón del arte árabe en la península. Podríamos hablar así de una influencia mozárabe.

                                                                      

En el interior, una hilera de pilares cruciformes con columnas adosadas separa las dos naves laterales de la principal. Sobre estas naves se prolongan tres bóvedas de cañón por todo el cuerpo de la iglesia. La cabecera está formada por tres ábsides de los que destaca una bóveda de cuarto de esfera, enmarcada por un arco fajón. Un transepto, coronado por un cimborrio octogonal sirve de separación entre el cuerpo y la cabecera de la iglesia.

                                Interior de San Martín de Frómista.

Las columnas que sostienen las bóvedas están decoradas con motivos vegetales alternados con temas religiosos tanto del nuevo como del viejo testamento.

                  

        Pecado Original                                                                                     Epifanía        

-Finalidad y simbología

San Martín de Frómista es, claramente, un edificio de finalidad religiosa. Puesto que pertenece al románico, la construcción persigue la enseñanza y el adoctrinamiento de los fieles. Esta tarea fue desarrollada por la Orden de Cluny, creadores del Camino de Santiago.

En cuanto al estilo de la construcción, el estar hecha en piedra simboliza la eternidad y la perdurabilidad de la religión cristiana. La luz en el edificio era escasa, debido al poco uso de vanos. Esto crea en San Martín de Frómista un ambiente de recogimiento y rezo. Así mismo, la separación del templo en tres naves y su correspondiente ábside podría identificarse con la Santísima Trinidad. Además, el crucero, el cual separa el cuerpo de la cabecera de la iglesia simboliza el paso de lo humano a lo divino y la religión cristiana como instrumento para conseguirlo.

Comentario publicado por Inés González.

Nióbida o Ménade.

Es una obra escultórica de bulto redondo y realizado en mármol pentélico, que por el dolor acentuado en la profundidad de sus ojos ser puede identificar como una obra del escultor griego Skopas. Es en concreto la Nióbida o Ménade.
Su ubicación original ser encontraba en Cilicia, actual Turquía. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre en París.
La original fue realizada en el S.IV a.C. durante la época posclásica, pero la encontrada era una copia romana. Durante el período posclásico se elimina la búsqueda de la perfección, fría e inexpresiva, y se intenta captar la expresión , la calidez y sentimientos humanos. Se pretende abandonar la divinización para plasmar la humanización.
Es ahora cuando, las polis griegas entran en una serie de luchas entre ellas que acaban con su poderío, circunstancia que será aprovechada por el Filipo de Macedonia para conquistarlas, y más tarde formarán parte del Imperio macedonio de Alejandro Magno.

Consta de un único personaje del cual no hay certeza sobre su identidad.
La escultura ante la que nos encontramos se encuentra realizada en yeso y es un conjunto de bulto redondo.
Es una escultura abierta ya que las extremidades se encuentran separadas del cuerpo. Podemos apreciar el movimiento vigoroso, la actitud y el rostro muy bien escenificados. Como por ejemplo el dolor acentuado  por la profundidad de los ángulos de los ojos. Además de las comisuras en la noble boca. De esta manera se logran varios puntos desde los que describir la escultura.
La exuberante cabellera rizada es muestra de un trabajo minucioso y muy logrado. Acercándose a la realidad.
Podemos apreciar también la técnica de paños mojados mostrando un ropaje muy elegante.
El torso de contorno delicado y de ejecución muy esmerada se encuentra en posición de esquivar las saetas lanzadas por los hijos de la Latona, mostrando  el horror y  dramatismo del momento. Podríamos hablar de una composición serpentinata.
Forma a partir de los ropajes y el movimiento de los brazos y el cuerpo el efecto del claruoscuro.

Al tratarse de una copia realizada en yeso y bastante moderna no podemos distinguir entre una técnica escultórica concreta. Pero la original de mármol muy posiblemente se encontraría pulimentada al igual que el resto de esculturas de la época.

Esta escultura formaba parte del frontón de un templo griego inmortalizando un relato de la Ilíada, una de las obras mas importantes de la literatura griega.

Se identifica con una hija de Niobe pero no hay certeza sobre la identidad de la figura, captada en un momento de miedo, huida y súplica. Pudo pertenecer al grupo original de Níobe y sus hijos que inmortalizaba la trágica muerte familiar narrada en el canto XXIV de la Ilíada. Níobe, reina tebana, alardeó ante la diosa Letona de su profílica descendencia y ésta, ofendida, mando asaetear a sus doce hijos. El grupo fue descubierto en Roma en 1538, pero se ignora qué estatuas lo integraban en origen. Ésta formaría parte del grupo.

FAUNO DURMIENTE:

El Fauno durmiente o Fauno Barberini es una obra escultórica de bulto redondo realizada en mármol asiático, cuya expresividad del  rostro y torsión del cuerpo nos lleva a identificarla como una escultura del período helenístico, concretamente del siglo I a.C. , aunque existen otras teorías que la datan del siglo III a. C.

Originariamente se encontraba en la Villa de los Papiros, en Herculano (llamado así por sus rollos de filosofía epicúrea y propiedad de Julio César) y fue descubierta en las excavaciones del  foso del castillo de Sant’Angelo, en Roma. Parece ser que durante la guerra entre los romanos y los godos, los primeros para defenderse arrojaron estatuas desde el castillo hacia los asaltantes, entre ellas el Fauno Barberini.

Bien pertenezca al siglo III o al I a.C. nos encontramos en el mundo helenístico, que es característico por su diversidad de reinos al mando de gobernantes, como fruto de la división del impero de Alejandro Magno. Muchos de ellos fueron absorbidos entre los siglos II y I a.C. por Roma, que quedó deslumbrada ante la riqueza cultural de esta civilización y por lo tanto  se helenizó.

La obra nos muestra un fauno desnudo, producto de la mitología, que se encuentra plácidamente dormido sobre una roca debido, posiblemente, a su estado de embriaguez. Todas las partes del cuerpo muestran una actitud de reposo. Se encuentra ahíto y satisfecho de los placeres mundanos. La posición de sus brazos es muy significativa puesto que en el derecho apoya la cabeza y el izquierdo, flexionado, inspira sensación de tranquilidad. Su rostro con los ojos cerrados y la boca entreabierta  invitan a la despreocupación y a la calma.

Esta obra en mármol, presenta un cuidadoso estudio de la anatomía humana, donde prima el realismo, ya que todos los detalles del cuerpo como las venas, el pelo, los músculos  o el pliegue de la piel en el abdomen debido a su posición, quedan reflejados.

El autor, por lo tanto, pretende con esta obra hacer alusión al pecado y al vicio a través de una temática mitológica. Plasma la placidez tras una orgía, un festín marcado por el desenfreno y los excesos de estas figuras mitológicas, directamente relacionadas con el dios del vino Dionisos.

El comentario es de Daniel González.

Victoria de Samotracia

Estamos ante la Victoria de Samotracia. Es una escultura griega en mármol, de bulto redondo y cuerpo entero, esculpida en el  190 a.C., durante la Grecia helenística.

Representa a la Victoria alada posándose sobre la proa de un navío. Al parecer, la estatua fue donada al santuario de Samotracia por los rodios, pueblo habitante de Rodas en aquellos días, por una batalla naval en la que se hicieron con el control de amplias áreas al suroeste de la actual costa turca, además de conseguir la alianza con muchas ciudades de la zona. Allí fue encontrada  en 1863 por el cónsul francés Charles Champoiseau, arqueólogo aficionado.

Se aprecia su pertenencia a la época helenística por, en primer lugar, su gran tamaño: 245 cm de altura, a los que hay que sumar la altura del zócalo sobre la que está colocada.

En cuanto a la técnica, en el período helenístico ésta es similar a la del clasicismo, cuando se logra plasmar con un gran realismo la forma humana. Así ocurre en esta figura, que evidencia el gran interés de la época por la anatomía. Ésta se deja intuir a través del chitón, la típica túnica griega fina que viste la estatua, gracias a la técnica de los paños mojados, iniciada por Fidias en el clasicismo. Hay también un gran trabajo con las texturas, sintiéndose perfectamente la diferencia entre la piel, la tela y las plumas de las alas.

La herencia de siglos anteriores se ve también en la posición del cuerpo, en torsión  praxitélica: con la pierna derecha adelantada y algo doblada, y la cadera elevada hacia el lado izquierdo, sería la pierna de este lado la que soportaría el peso del cuerpo de tratarse de un ser de carne y hueso. Como no es así, el manto, que toca el suelo, da una mayor superficie para soportar el peso de la figura, haciendo innecesario un adminiculo. Su composición es abierta, sobresaliendo las alas del conjunto, y las líneas de eje son curvas, dando sensación de movimiento a la figura.

Se caracteriza también el helenístico por ser una etapa en la que la búsqueda de la belleza se hace a través de la expresión, del sentimiento y el dramatismo. Aunque no conocemos de la Victoria ni su rostro ni sus manos, que se perdieron en la historia, no necesitamos ver ni su expresión ni su gesto para sentirla poderosa, contundente y heroica, a la vez que liviana. Todo esto nos lo transmite a través de la posición del cuerpo; del chitón, que se agita y vuela, y de las alas en tensión. Parece hacer frente al viento y a las olas, que la azotan en su proa.

En estos momentos se encuentra en plena restauración. No es la primera a la que se somete, siendo una de las alas producto de una. Esta vez el objetivo es eliminar el zócalo de cemento construido en s. XIX sobre la que se apoya actualmente, y unirla de nuevo a su zócalo original,  formado por 23 bloques de  mármol gris azulado y recuperado en 1875, más de una década después de ser encontrada la figura femenina y enviada al museo del Louvre, donde sigue encontrándose. El reto es lograr el contraste original entre el tono más oscuro del zócalo y más claro de la mujer alada. Francia Japón y EEUU han invertido en conjunto 3 millones de euros para la restauración a lo que se sumará previsiblemente otro millón de euros, que está siendo recaudado a través de la web.

Tholos de Atenea Pronaia.Delfos, Grecia.

El tholos de Atenea Pronaia se encuentra situado en Delfos ,antigua  ciudad griega, que está situada en una 

meseta  en la ladera este del monte del Parnaso, al norte del golfo de Corinto. Delfos fue un centro de espiritualidad, con enorme relevancia y que llegó a gozar de un importante papel político.

El monumento fue edificado en el Ágora de Ateneas en el 465 a.C. despúes de la destrucción de Jerjes I en el 480 a.C. durante las Guerras Médicas de un monumento más antiguo que tenía la misma función. El autor del monumento es Teodoto de Focea ,quien formaba parte de la Liga Jónica, se dice que trabajó con Ictinos durante la construcción de esta obra. Pronaia significa antes del templo por lo que deducimos que el tholos dedicado a la diosa Atenea estaba situado antes de llegar al templo de Apolo.

  Pertenece al segundo clasicismo o Grecia posclásica que tuvo su origen en la unión de Oriente y Occidente conseguida por Alejandro Magno, lo cual permitió  la introducción en la arquitectura griega de rasgos del Próximo y Medio Oriente.

No se conoce con exactitud cual era la función del tholos y es posible que no se utilizara como templo aunque tenía una función religiosa que pudiera relacionarse con el culto a las divinidades ctónicas o espíritus del inframundo.

Para su construcción se mezcló mármol blanco con caliza oscura.Fue edificado de forma circular y según la colocación de sus columnas hablamos del orden períptero. En cuanto a los soportes nos consta que las veinte columnas del exterior son dóricas y otras diez finísimas sobre un banco corrido en el interior son corintias. A pesar de todo el monumento se califica dentro del orden dórico. Para la decoración se manejaron piedras de distintos colores y tanto en el interior como en el exterior era muy elaborada con escenas de amazonas y centauros.

Comentario del templo de Apolo Epicuro

El templo de Apolo Epicuro se encuentra en Bassae, cerca de la Figalia (Arcadia), Grecia. Fue construido durante la época clásica griega, entre los años 420-417 a-C. Este edificio es un templo cuya finalidad es honrar al dios Apolo

Es obra del arquitecto Ictino el cual le atribuyó el sobrenombre de Epicuro debido a la ayuda de Apolo en la peste que asoló la ciudad de Figalia en tiempos de la guerra del Peloponeso.

Es un templo períptero, de forma alargada. En cuanto al número de columnas es hexástilo (seis en el frontal y 15 en el lateral). Esta obra está formada por un pronaos y opístomos in antis, de orden dórico. Sin embargo, el naos del templo, esconde dos filas de columnas jónicas. Al fondo del naos, las dos últimas columnas jónicas enmarcan una única columna de orden corintio que separa el naos de un adyton habilitado entre el opístomos y el pronaos.

De la fachada del templo, cuyo material es el mármol que en un origen fue policromado, tan sólo se conservan el estilóbato y estereobato, las columnas y parte del entablamento, cuyo friso se encuentra en el British Museum de Londres. Todos los elementos de la fachada tienen las características del orden dórico; las columnas carecen de basa, su fuste es estriado y con aristas vivas y tienen un capitel sobrio y masculino, típico del dórico. Sin embargo, en el interior del edificio encontramos columnas jónicas y corintias, más ornamentales.

Se sostiene la tesis de que esta anacronía arquitectónica se debe a que el templo fue reconstruido años después de su construcción inicial, incorporando elementos siguiendo las órdenes arquitectónicas del momento.

El templo se dedicó a Apolo, dios sanador, para agradecer su ayuda en la lucha contra la peste del pueblo de Figalia. Diremos que el templo tenía una finalidad religiosa. Según los relatos de Pausanias este templo fue construido por Ictino, arquitecto también del Partenón de Atenas aunque los historiadores se preguntan cómo una modesta aldea como Figalia fue capaz de contratar a un arquitecto tan prestigioso.

Se desconoce también el porqué de la ubicación del templo, en la montaña, a ocho kilómetros de la ciudad donde sólo se podría llegar tras una larga jornada caminando.

Comentario por: Inés González

Inmersión. Una introducción al mundo del Arte

Este es un blog muy particular. Ha sido creado para que alumnos de Arte comiencen a hablar, o escribir y pensar, sobre él. Se ha creado para que estudiantes puedan dar su opinión y debatir sobre Arte entre iguales. entre gente que se está iniciando en este fantástico vicio.

Si nos quieres acompañar, por tanto, no esperes encontrar aquí el número áureo ni la cuadratura del círculo. Sólo encontrarás un balbuceo al que, por supuesto, estás invitado para que te sueltes o para que, gracias por tu amabilidad, nos pongas un acento o nos corrijas una falta.

Y vosotros, mis alumnos, no os asustéis por la inmensidad de este Océano en cuya orilla estamos. Sólo encontraréis en él maravillas. Sólo hay que hacer una cosa: sumergirse.

Vale